Revista DEMO

Rush :: "2112"

2012-01-21T17:13:00.000-05:00

Más allá de un concepto, 2112
(Anthem/Mercury Records, 1976)

Escribe: Laura Machicao

En una década predominantemente gobernada por el rock y bandas tan influyentes del género como Led Zeppelin, fue difícil tratar de abrirse camino; era necesario tener un as bajo la manga. Quizás es por este motivo que muchas bandas decidieron ir “más allá”: del experimento nacen varios estilos, como el rock progresivo; y a su vez, surgen grupos monumentales e históricos, como la banda sobre la que hoy reseño, Rush.

Originarios de Canadá, la alineación actual de Rush (vigente desde 1973, año en que fue reemplazado su baterista original John Rutsey) tiene nada más que a tres de los mejores exponentes actuales en sus respectivos instrumentos; esto según expertos, productores y por supuesto, fanáticos de la banda. Geddy Lee, a cargo de la distintiva voz principal, bajo y teclados es el frontman de la banda. Alex Lifeson es quizás el guitarrista más subestimado por la crítica especializada, como la Rolling Stone Magazine que suele obviarlo de sus conteos de “los mejores”. Y para completar el trío tenemos a Neil Peart, el mejor baterista (vivo) del planeta a decir de muchos. A esta maestría musical individual, se suman más de 30 años de experiencia, vivencias personales (sobre todo en el caso de Peart) y una complejidad en melodías y letras que hacen de todo este paquete una delicia roquera para aquellos en busca de alguien a quien idolatrar. Si bien en sus primeros materiales solo escuchábamos chispazos de lo que hoy conocemos, no fue sino hasta su cuarto álbum que lograron concretar todo el potencial que llevaban. Después del lanzamiento de “Caress of Steel” (1975) y debido al fracaso de la placa, tuvieron presión de su disquera por sacar un trabajo que fuera “comercialmente” accesible para el público, no más canciones interminables y mucho menos discos conceptuales. Lee, Lifeson y Peart se zurraron en lo prometido. Bueno, a medias.

“2112” es el cuarto disco de la banda y es considerado por especialistas y aficionados como el trabajo más completo y excepcional que tienen, a pesar de que los singles que los hicieron comercial y mundialmente conocidos, como “Tom Sawyer” o “Limelight”, aparecieron más adelante en su carrera. Inicialmente lanzado como vinyl, tiene dos lados. El primero de ellos es una mini-ópera con un concepto, basado en la obra de Ayn Rand titulada “Anthem” (según lo declarado por Peart, quien estuvo a cargo de la letra, mientras que Lee y Lifeson pusieron la música) y es la canción que le da el título al álbum. La segunda parte son 5 canciones completamente desasociadas de “2112”, motivo por el cual no podemos hablar de un álbum conceptual. Por el momento, solo escribiré sobre esta canción:

"2112"
I: "Overture" (0:00 - 4:33)
II: "The Temples of Syrinx" (4:33 - 6:45)
III: "Discovery" (6:45 - 10:14)
IV: "Presentation" (10:14 - 13:56)
V: "Oracle: The Dream" (13:56 - 15:56)
VI: "Soliloquy" (15:56 - 18:17)
VII: "Grand Finale" (18:17 - 20:33)

Dividida en 7 capítulos, “2112” nos lleva a un futuro incierto en donde el hombre es un ser sumiso y subyugado por seres superiores que han implantado un modo de vivir. Esta historia, narrada musicalmente en 20 minutos con 33 segundos, inicia con la Overture: un solo instrumental en donde cada uno despliega lo mejor de su arte y entonces un bombazo; Geddy Lee suelta la primera frase: “Y los dóciles heredarán la tierra” ("And the meek shall inherit the earth").

A la hora de escuchar la canción es recomendable que lo hagas con el book del disco en mano (dile no a la piratería), en donde Rush tuvo la amabilidad de narrar parte de la historia que no está dicha en la letra. Es simplemente para dar un contexto que podría incluso resultar innecesario. Digamos que es la parte poética a la que la banda luego nos acostumbraría.

Temple of Syrinx presenta a los nuevos “gobernantes” de Federation City. Los Sacerdotes se han encargado de tomar control y asegurarse que el libre albedrío de la ciudad deje de existir. “We’ve taken care of everything, the words you read, the songs you sing”, dice Geddy. Con una estridente guitarra y una aun más notoria batería, Lee hace uso de su amplio rango vocal para chillar el discurso de los Sacerdotes. A partir de ese momento, la estridencia y agudeza de su voz será lo que caracterice a estos personajes, y si a esto se le suma la alucinante guitarra de Lifeson, nos encontramos ante unos monstruosos líderes.

La bestialidad disminuye y Rush musicalmente te lleva a una especie de oasis. Discovery nos presenta a Sin Nombre, un poblador de Federation City que dentro de una cueva hace un descubrimiento maravilloso: una guitarra. Por un par de minutos tenemos la simbiosis perfecta de Rush: Lifeson es físicamente el poblador, que tras jugar un momento con su nuevo hallazgo, tiene la voz de Lee (esta vez en un tono mucho más suave y amable, a diferencia de los Sacerdotes) y Peart fue quien le dio el guión. “See how it sings like a sad heart and joyously screams out its pain” canta un alucinado y emocionado NN, quien no puede esperar hasta mostrar la maravilla que tiene entre manos. “The Priests praise my name on this night”, piensa. A la melodía que le da un solo a Lifeson, de pronto se le unen los demás para dar inicio a una nueva parte.

De pronto, un cambio marcado. En Presentation, NN llega de una manera amable que se transmite tanto en la voz de Lee como en la melodía que lo acompaña, muy suave y pausada. “I’ve found an ancient Miracle I thought you should know”. El cambio del rango de voz de Geddy le da pase a unos arrogantes Sacerdotes que minimizan el descubrimiento. No solo varía el tono de voz, sino la estridencia de los instrumentos, el punzante bajo, una acelerada guitarra y el fuerte drumming de Peart van en aumento y culminan para un cambio aun más sentencioso. La guitarra es destruida, los Sacerdotes imponen nuevamente su voluntad.

Un inicio espectral, con sólo la guitarra de Lifeson y el teclado de Geddy dan inicio a Oracle: The Dream. Después de deambular tristemente por las calles, NN añora sueños de mejores tiempos. De pronto, es trasportado a la época antes de la existencia de Federation City, es decir nuestro mundo libre. “That grace this strange and wondrous land I see the hand of man arise with hungry mind and open eyes”. Apenas pone pie en ese pasado, nuevamente retoman la fuerza de la libertad, sobre todo a través de la batería de Neil.

Un nuevo movimiento y volvemos al oasis. Las aguas calmas y la guitarra dócil presentan el Soliloquy. Es una reflexión sobre el sueño que ha tenido, para luego darse de narices con la realidad. NN está probablemente en la cueva en la que encontró la guitarra, al borde del suicidio. “My spirits are low in the depths of despair”. Después de haber visto lo que esta guitarra (y la música en general) hubiera significado para su raza, prefiere no volver a esa terrible situación. El cambio marcado instrumental anuncia como una idea ronda por su cabeza y, a medida que va tomando más fuerza el trío, hasta duele, porque se siente el suicidio.

Un guitarreo roquero de guerra y libertad (por la muerte quizás), junto a un beat mucho más animado da inicio a The Grand Finale. Librado de las letras, es un solo instrumental que anuncia el inicio de una guerra, que no sabemos como se desató, e incluso no sabemos como termina. No existe una partitura clara, sino más bien una improvisación de todos contra todos; que no suena mal y genera lo esperado: caos. El final de la invasión es anunciado por una voz electrónico que dice “Attention all Planets of the Solar Federation, we have assumed control”, algo que Lifeson y Lee hicieron como jugando al final de la grabación. La incertidumbre, al mejor estilo de Rush, deja complacidos a todos los que seguimos la historia por 20 minutos y algo más. Genialidad por donde se le mire.

Top 10 :: Paul McCartney

2011-07-14T18:08:00.009-05:00

Diez álbumes post-Beatles de Paul McCartney

Escribe: Henry Flores

Lo que hicieron Paul, John, George y Ringo como The Beatles fue insuperable. Ninguno como solista ha alcanzado tanto favor de la crítica y éxito masivo como su banda de marras, quizá Paul McCartney es el que más cerca ha estado, siendo considerado el músico más exitoso de todos los tiempos. Tras su visita, hemos elaborado una lista de diez de sus álbumes post-Beatles que pueden servir de guía a quienes quieran conocer y profundizar en su obra como Wings o solista.

"McCartney" (Paul McCartney, 1970) :: Después de tanto experimentar e innovar con The Beatles y en plena disolución de la banda, McCartney decide volver a lo más básico a nivel musical. Para ello compone, toca todos los instrumentos, graba y produce en solo 4 canales un puñado de canciones que vendrían a ser pioneras del lo-fi y de la filosofía DIY (hazlo tú mismo). Tracks recomendados: Maybe I’m Amazed, Every Night, Junk, Teddy Boy.

"Ram" (Paul and Linda McCartney, 1971) :: Superada su depresión post Beatle y animado por el éxito de su sencillo Another Day, Macca recluta una banda y graba las canciones que compuso en su granja de Escocia y que le sirvieron de terapia. Tanto en la portada y contraportada del álbum, así como en algunas letras, encontramos referencias a su enfrentamiento con Lennon. Tracks recomendados: Too Many People, Ram On, Heart of the Country, Back Seat of My Car, Uncle Albert/Admiral Halsey.

"Band On The Run" (Wings, 1973) :: El tercer álbum de los Wings, fue grabado en Nigeria. Tuvieron que superar muchas adversidades como la renuncia del baterista y guitarrista. A pesar de eso, la banda mermada (Paul, Linda y Laine) logró armar canciones sólidas, cautivantes e inspiradoras. Fue un éxito a nivel de ventas y de crítica. Tracks recomendados: Band on the Run, Let Me Roll It, Jet, Bluebird, Helen Wheels, Nineteen Hundred and Eighty-Five.

"Venus And Mars" (Wings, 1975) :: La mejor formación de Wings (Paul, Linda, Denny Laine, Jimmy McCulloch y Joe English) nos entrega también su álbum más ambicioso y uno de los más roqueros. Casi todos intervienen en la autoría de algún tema y cuentan con el apoyo de una sección de vientos que aportan más cuerpo a las canciones. Tracks recomendados: Venus and Mars, Rock Show, Letting Go, Medicine Jar, Call Me Back Again, Listen to What the Man Said.

"McCartney II" (Paul McCartney, 1980) :: Disuelto Wings, Paul decide grabar su tercer álbum en solitario. Aquí sobresalen las experimentaciones con nuevos sonidos, el uso de sintetizadores y las ideas inconexas. Tracks recomendados: Coming Up, Waterfalls, Nobody Knows, Temporary Secretary.

"Tug Of War" (Paul McCartney, 1982) :: Un disco afectado por el asesinato de Lennon. Paul recluta en la producción al legendario George Martin y graba con Ringo Starr, Carl Perkins y Stevie Wonder. El optimismo de McCartney es puesto a prueba y sale airoso. Tracks recomendados: Tug of War, Take It Away, Here Today (su tributo a John), Ebony and Ivory, Somebody Who Cares.

"Снова в СССР" [“El álbum ruso”] (Paul McCartney, 1988) :: Colaborando con su granito de arena a la perestroika, Paul ofrece a los rusos la oportunidad de escuchar rock n’ roll puro. Grabado en directo, sin overdubs y sin mucha producción, McCartney revisa y revitaliza canciones de sus padres musicales como Fats Domino, Gershwin o Eddie Cochran. Tracks recomendados: Summertime, Kansas City, That´s Alright Mama, Midnight Special, Ain’t That A Shame.

"Flaming Pie" (Paul McCartney, 1997) :: Considerado, por muchos, su mejor álbum en solitario. Aquí encontramos a un McCartney muy inspirado y revitalizado por los redescubrimientos de las joyas ocultas de The Beatles en la serie Anthology. Jeff Lynne (ELO) y Ringo Starr colaboran en él. Y cuenta con las últimas participaciones de su esposa Linda quien moriría de cáncer al año siguiente. Tracks recomendados: The World Tonight, Somedays, Calico Skies, Young Boy, Beautiful Night, Heaven on a Sunday.

"Driving Rain" (Paul McCartney, 2001) :: Una nueva y joven banda, un nuevo y joven amor (Heather) y el productor de moda (David Khane), hacen que las ideas ebullicionen y fluyan en la mente de Macca. No importa las direcciones que tomen, importan captarlas y materializarlas. Este álbum fue grabado en solo dos semanas. Tracks recomendados: Lonely Road, From a Lover to a Friend, Driving Rain, Heather, Your Loving Flame.

"Chaos And Creation In The Backyard" (Paul McCartney, 2005) :: Melancólico, experimentador y revisionista. De la mano del productor Nigel Godrich, Paul ejecuta casi todos los instrumentos y nos ofrece un álbum donde todas las canciones parecen conectadas, aún sonando muy distintas. Quizá sea su único disco post Beatles en el que se ha dejado producir por otro en un setenta por ciento. Tracks recomendados: Jenny Wren, Too Much Rain, Riding to Vanity Fair, Promise To You Girl, This Never Happened Before, How Kind of You.

Alice In Chains :: "Black Gives Way To Blue"

2011-06-03T16:32:00.004-05:00

"Black Gives Way To Blue" (Virgin/EMI, 2009)Cuando el 19 de abril del 2002 se anunció la muerte de Layne Staley, líder y vocalista de Alice In Chains, todos quienes amábamos su voz y su extraordinaria capacidad para componer letras crudas y honestas, sabíamos que el destino de la banda finalmente se tornaba de azul a negro. La batalla contra las drogas había sido perdida y tras largos años de soledad y lenta agonía, la crónica de su muerte nos anunciaba que el cuerpo había sido encontrado en evidente estado de descomposición, que la fecha aproximada del deceso era el 5 de abril y que la escena describía el degradante estado de adicción del ídolo, rodeado de agujas y restos del cóctel mortal compuesto por heroína y cocaína. El dolor y la frustración de familiares, amigos y fanáticos inundó de imágenes el ciberespacio, sus antiguos compañeros y colegas músicos le rindieron homenaje a través de discos, canciones y conciertos, recordando el extraordinario legado que nos había dejado su presencia como frontman de Alice in Chains. Pero el momento de dar vuelta a la página llegaría. Los antiguos miembros de la banda debían retornar por aquella senda que en algún momento Staley perdió. Es así que Jerry Cantrell (guitarrista y vocalista), Mike Inez (Bajista) y Sean Kinney (baterista) encontraron en William DuVall al cantante que los ayudaría a reclamar el sitial que ganaron a pulso como dignos representantes de Seattle y una de las bandas más influyentes de los años 90´s. “Black Gives Way to Blue” (2009) es el nombre del disco de retorno y aunque para algunos fanáticos sea difícil imaginar al grupo sin su vocalista principal, la placa nos otorga varios cortes dignos de resaltar. Check My Brain es el primer sencillo que se desprende del disco y como si el tiempo y la historia no hubieran pasado, una vez más fui sorprendido y atrapado por la capacidad innata que tiene Cantrell para generar riffs retorcidos, sucios, cargados de furia, tan densos que parecen destruir la escala pentatónica y más que sonar te golpean directo al cerebro, ello sumado a los baquetazos cortesía del señor Kinney hacen que sea casi imposible despegarse de esta canción que a dúo proclama “California, I'm fine somebody check my brain / California's all right somebody check my brain / Ah tears have filled my bones / Ah years expended gone”.

"CHECK MY BRAIN"

Seguidamente nos topamos con Last of My Kind, en esta canción al igual que en A Looking In View se percibe mucho más la voz de DuVall, sin embargo y dadas las notorias diferencias con el ex vocalista, es siempre Cantrell quien predomina ligeramente en las interpretaciones de todas las melodías. Your Decision y When the Sun Rose Again son matices ya explorados por la banda, guitarras calmadas que al afinar el oído nos remontan a composiciones de antaño como las geniales Nutshell y Brother.

"YOUR DECISION"

En síntesis “Black Gives Way to Blue” es la reafirmación del genio y la perseverancia de sus integrantes, un disco que nos trae algunos matices diferentes aportados por su nuevo vocalista, el paso de los años y los ineludibles cambios que la ausencia de Staley significan. No estamos ante un “Facelift” (1990) y por obvias razones no estamos ante un “Dirt” (1992), estamos simplemente ante el regreso de Alice in Chains, una banda que para fortuna de sus miles de fans ha logrado retornar del negro al azul.

DEIVIS LEYVA

Kings Of Leon :: "Only By The Night"

2011-05-05T13:52:00.010-05:00

[Con esta reseña, inauguramos "Rewind", una nueva sección dedicada a repasar algunas de nuestras producciones favoritas de los 70's, 80's, 90's y dos-miles.]

"Only By The Night" (RCA, 2008)
Kings of Leon es una de las pocas bandas que ha logrado captar mi atención en estos últimos años, su sonido no es particularmente innovador pero los ya famosos hermanos provenientes de Nashville, Tennesse, le han dado a su música un toque de distinción que los ha llevado a conquistar el oído de miles de fanáticos alrededor del mundo. Tal vez sea el timbre casi inconfundible de su vocalista, quien aparentemente ha decido explotar todos los matices de su voz, tal vez sean los riffs de guitarra que, aunque adornados por distorsiones similares, son una reafirmación de que a veces menos significa más. Es quizás esa combinación de factores el insumo principal del éxito de este cuarto trabajo, el mismo que se viene cosechando desde los ya lejanos inicios de la banda, en donde tal y como narran ellos cada uno “decidió” encargarse de un instrumento sin tener demasiadas nociones del mismo. Pero qué nos trajo esta placa de los KOL, denominada “Only by the Night” (2008), probablemente y a diferencia de sus álbumes anteriores el giro radica en el puñado de hits que han logrado pegar en la radio. El CD inicia con Closer, una tremenda canción que amerita palmas no solo para los interpretes sino también para la producción, Angelo Petraglia y Jacquire King demuestran gran tino para los arreglos musicales, dando ese toque de oscuridad a este track de amor que a la letra dice “she took my heart, [i think] she took my soul / with the moon i run, / far from the carnage of the fiery sun”.

Con distorsión desbordante y sin pausa Crawl no da lugar a respiro, su cierre ácido y punzante harán casi imposible no volver a escucharla. Pero es con Sex on Fire, primer single del disco, que el cuarteto logra dar el gran salto, está canción se ubicó como #1 en los Hot Modern Rock Tracks de los Estados Unidos, de la misma forma fue #1 en Australia, Finlandia, Irlanda e Inglaterra, país en donde además logró convertirse en el segundo single más descargado de la historia. Asimismo la canción fue nominada en los premios Grammy como mejor canción rock y ganó el premio a mejor interpretación rock de un dúo o grupo con vocalista, un avasallador éxito que ni ellos mismos esperaban, más aún si tenemos en cuenta que Caleb compuso esta canción con una lesión en la mano, la misma que le restaba movilidad, de ahí el tono repetitivo y pegajoso que luego arrasaría en todos los charts del mundo poniéndonos a corear you, your sex is on fire.

"SEX ON FIRE" (Live T in the Park, 2009)

Use Somebody y Be Somebody son cortes que también podemos rescatar, con títulos similares las melodías parecen buscarse a pesar de las diferencias rítmicas que sirven de base a una y otra. En Revelry y Notion notamos la mayor presencia de sintetizadores, pero su hermosa melodía y excelente interpretación las convierten en unas de las mejores canciones del disco.

"USE SOMEBODY"

Es obvia la madurez que ha alcanzado la banda, se nota el esfuerzo por conocer y desarrollar mejor cada uno de sus roles dentro de la misma, esperemos que continúen por la misma senda, como alguna vez dijo Matthew, el comenzar jóvenes les ha permitido vivir los excesos de todo rock star desde muy temprano, por ello ahora solo quieren dedicarse a mejorar su música, esperemos que así sea.

DEIVIS LEYVA

"The Beatles Box Set" en iTunes

2010-11-30T10:49:00.013-05:00

Y finalmente sucedió: hace pocos días Apple, EMI y Apple Corps. presentaron el catálogo remasterizado de los Beatles en la tienda virtual iTunes. Con la expectativa generada previo su lanzamiento, esta incorporación no fue del todo bienvenida por parte de los tech-fans de Apple, quienes eran los más afanosos de recibir alguna sorpresa mayúscula (por ahí hasta se barajó la añorada 'spotifyzación' del iTunes) sin embargo los mismos simpatizantes de los fab-four en su gran mayoría, respondieron a todo esto con un "bah, pero si ya lo tenía rippeado de mis CD's" en cualquiera de sus tantas variantes. Sea sorpresa o no, el arribo del catálogo beatle en iTunes, quizás termina siendo un lanzamiento más significativo para la gente de Apple que para los consumidores, simpatizantes o beatlemaníacos mismos; ya que esto podría tomarse como un paso clave para la "aprobación" de parte de la vieja guardia de la industria musical, en lo que el formato de venta digital respecta. Aquí tenemos por primera vez a los Beatles enfrentándose a un mercado donde prima la venta masiva de canciones por sobre álbumes. ¿Prevalecerá eso del disco como "paquete artístico" o terminará ganando la venta de canciones por separado al que tanto se ha habituado esta nueva generación de consumidores de música?

No obstante, de haber existido un momento en el que esto debió suceder, ese fue el 09.09.09, fecha en la que se relanzó el catálogo oficial en formato físico. Retraso aparte y yendo estrictamente al contenido musical, la semana pasada recién pude escuchar todo el pomposo "The Beatles Box Set" (el gran 'plato fuerte' de iTunes para hacernos del catálogo beatle por completo) y al menos tras varias repasadas, estas fueron mis primeras impresiones:

Punto a favor -aunque netamente obvio- el de presentar el sonido remezclado del "The Beatles Stereo Box Set". Eso implica, tener los 13 discos oficiales de estudio, el doble "Past Masters" y todo el pack de mini-documentales que venían con cada álbum. En cuestiones de sonido, recuerdo la reseña de Pitchfork donde hacían las comparaciones de los patrones de audio del 2009 con las mezclas de las reediciones de 1987.

Obviamente las recientes terminan superándolas en calidad, no obstante aquí viene el gran "pero" como era de suponerse: la compresión digital. Pues si, los audiófilos serán los primeros en poner el grito en el cielo al escuchar ahora en iTunes, su canción favorita de los Beatles en formato .aac de 256 kbps. Pero es lo que hay... al menos por ahora. En otro punto no tan favorable, el formato iTunes LP de este Box Set pudo ser más generoso. Ok, hay una sobriedad y elegancia de diseño que se les agradece pero también una austeridad en su presentación: fondos negros, dos fotos principales entre el arte del disco y el tracklist y un apartado de artwork que no es más que un escaneado de los booklets incluidos en los discos del 2009.
Así, casi cual PDF's. Tampoco hay una navegación interactiva más allá de las transiciones de texto y selección de álbum o track. No hay animaciones ni una pantalla de reproducción o visualización creada especialmente para la escucha de cada álbum, la cual si está presente en otros iTunes LP. Sin llegar a ser malo ¿pudo ser mejor? Siempre.

Finalmente, tenemos todo el estupendo e irrefutable catálogo musical los Beatles aderezado con los mini-documentales y el bonus-video de su primer concierto en Norteamérica, grabado el 11 de Febrero de 1964 en el Washington Coliseum, sin saltos de edición más que el de la introducción y cierre (que todavía pueden ver completamente en streaming de manera gratuita). Te queda la sensación de que no puedes quejarte de esto. Y es que en el fondo así es, como conjunto de discos/archivos en digital, no hay pierde con el "Box Set"... claro, hasta que compres la edición en formato físico.

Recapitulando, consideremos entonces que:

a) El "The Beatles Box Set" en iTunes está sumamente recomendado para quienes no llegaron a comprar/rippear la discografía completa del "...Stereo Box Set" del 2009.
b) Dada su naturaleza, este lanzamiento no es el regalo/compra ideal para audiófilos.
c) En el factor costos, entre los $150 que vale el "The Beatles Box Set" en iTunes (y por separado: un promedio de $13 por álbum y $1.29 por canción) y los que uno puede encontrar por el "Stereo Box Set" en físico en distintas discotiendas, puede que resulte una alternativa atractiva. Aunque eso ha de considerarlo el consumidor dependiendo de lo que busque. Eso si, un tip: en Amazon el precio original del "Stereo Box Set" es de $259.98, sin embargo en fechas como las de hoy, existen descuentos (sin costos de envío incluidos) bastante llamativos.
d) Al final y pese a todo lo presentado, quizás para quienes escuchamos a los Beatles desde tiempo atrás, tanta parafernalia en pantalla termine por hacernos extrañar el catálogo en su formato físico. Si, llámame nostálgico o anticuado pero entre ver el artwork digitalizado y el tener el booklet o la caja del álbum entre manos, personalmente opto por lo segundo.

Por lo pronto el productor, empresario musical y ex-manager de los Rolling Stones, Andrew Loog Oldham ya sentenció: "Así que los Beatles ya están en iTunes... finalmente el mundo se ha estandarizado." ¿Será tanto así? Igual, lo bueno es que la longevidad del legado beatle tiene para rato aún. Nuevas generaciones, abracen su obra ahora.

Texto: FABRICIO SANTIBÁÑEZ M.

"Exile On Main St. (Deluxe Edition)"

2010-05-20T20:41:00.005-05:00

De Vuelta al Exilio
Los Rolling Stones publicaron la reedición deluxe del "Exile On Main St."Esta semana, los inagotables Rolling Stones publicaron la flamante reedición de unas de las obras capitales de su legendario catálogo musical: el "Exile On Main St.", trabajo que que no sólo representó su creación más accidentada, sino que con el paso del tiempo se convirtió en su más sólido ejercicio de rock n' roll. Tan visceral en su sonido como anecdótico en su realización, el álbum sirvió de eslabón para conectar el antes y el después del sonido de los Stones, sacando a relucir con cada track el verdadero espíritu del genio tras sus majestades satánicas.

Recordemos que fue en el invierno de 1971, cuando los Stones se mudaron a Francia cansados de los impuestos excesivos y el acoso policial que sufrían en Inglaterra, encontrando en el sótano de Nellcôte, el refugio perfecto para terminar de grabar su nuevo álbum que habían empezado a producir en Londres y que luego culminarían en Los Angeles. Sin embargo no contaron con el hecho de que Nellcôte, la villa francesa del siglo XIX que Keith Richards había comprado para vivir con su familia, terminaría convirtiéndose en un antro repleto de dealers, groupies heroinómanas y demás seres decadentes que, sumándole las pésimas condiciones climáticas de aquel momento, hicieron de las sesiones de grabación un enorme suplicio para los miembros de la banda, tanto así que Bill Wyman terminó por hacerse a un lado de varias grabaciones, mientras que Mick Jagger prefirió darle más importancia a su reciente matrimonio. Pese a todas las molestias de sus camaradas, Richards se encontraba como pez en el agua. Atosigado de Jack Daniel's y drogas de todo tipo, se las ingenió para sacar adelante toda la producción. Los siguientes meses fueron una espiral de tortuosos ensayos y peleas entre dos bandos bien definidos: los junkies (encabezados, claro, por Richards) vs. los "abstemios" -nótese el entrecomillado- donde se encontraban Jagger, Charlie Watts y Wyman. Musicalmente mucha de la influencia que emanaban las composiciones del "Exile.." fueron obra y gracia de Richards, quien encontró en las conversaciones con Gram Parsons, su entonces gran colega de pinchazos reconocido por tocar en The Byrds y The Flying Burrito Brothers, un norte más cercano al rock primitivo e intenso.

Ahora 38 años después, podemos disfrutar del "Exile On Main St." [Deluxe Edition] el cual aparte del renovado -y notable- trabajo de remasterización, incluye como principal atractivo la publicación de diez cortes inéditos producidos por The Glimmer Twins (el alias del tándem Jagger/Richards), Don Was y Jimmy Miller, el productor original de la placa, tomando registros de las mismas sesiones que la banda grabara para el álbum doble de 1972. Estas canciones que habían permanecido archivadas y descartadas del tracklist final del disco, comparten a su vez espacio con tomas alternas de "Loving Cup" y "Soul Survivor" (grabada con la voz de Richards) además de una versión primitiva de "Tumbling Dice" bautizada como "Good Time Women". No obstante, algunos otros de estos cortes inéditos han sido recientemente "retocados" en estudio, ya que Mick Jagger aclaró que se agregaron algunas percusiones, fraseos de guitarras de Keith Richards y voces ("Following the River" cuenta con letras reescritas por Jagger) siendo en un balance general, un estupendo conjunto de pistas reunidas en el bonus disc... claro, nunca tan grandiosas como los 18 temas originales del álbum. Aparte de todo esto, la costosa edición super deluxe incluye su respectiva versión en vinilo junto a un libro de 50 páginas con diversa información y fotografías de archivo así como el DVD “Stones in Exile”, documental estrenado en el Festival de Cannes que registra a los Stones en plena creación de la placa.

Por lo pronto, los elogios y críticas favorables de distintos medios no se hicieron esperar (desde la Rolling Stone hasta Pitchfork la calificaron con sus máximas puntuaciones) así que sólo nos resta recomendarles esta excelente reedición y escucharla a plenitud para rememorar uno de los trabajos más notables del catálogo de los Rolling Stones.

The Rolling Stones :: "Plundered My Soul"
[Descarga el video gratuitamente en iTunes]

The Rolling Stones :: "Following the River"

Texto : FABRICIO SANTIBÁÑEZ M.
Foto vía Judd6149 @ Flickr.

Björk :: "Voltaïc"

2009-07-02T21:22:00.006-05:00

Ha pasado poco más de dos años desde que Björk estrenara "Volta", su sexto trabajo oficial en estudios cuya consecuente gira mundial sirviera de milagroso acontecimiento para quienes nos encontramos en el Perú, puesto que por primera vez pudimos verla en directo interpretando lo mejor de su repertorio aquel imborrable 13 de Noviembre del 2007. No es un secreto entonces que hablar de esa placa y ese tour, irremediablemente nos devuelva una serie de buenos recuerdos, más allá de que si "Volta" demostraba o no, surco tras surco, ser una producción netamente sólida. Recordemos que a pesar de que el aporte de Timbaland y Danja (aparte del ahora habitual tándem Björk / Mark Bell entre los créditos de producción) dotó de un nuevo revés sonoro al constante eclecticismo de la islandesa sin perder esa constante dosis de endiablado vanguardismo instrumental, el balance final terminó por hacer del "Volta" su obra más accesible en años... y ojo que "accesible" tratándose de Björk, no es propiamente un halago.

Dejando cualquier discusión de gustos y disgustos de lado, también es una verdad que toda deficiencia que uno podría encontrarle al "Volta" merecía quedar relegada tras presenciar las sendas puestas en concierto que ejecutó Björk durante su largo recorrido internacional, las mismas que la llevaron a visitar más de 60 ciudades entre el 2007 y el 2008. De ahí es que nace el concepto de "Voltaïc", su más reciente box-set especial que intenta ser una suerte de celebración al durante y después del Volta Tour a través de diversos registros audiovisuales (cuatro discos en su versión standard más tres LP's adicionales en su versión de colección). No en vano, el primer y el segundo disco del "Voltaïc" se dedica exclusivamente a repasar dos -bueno, tres si contamos los bonus- de sus más sorprendentes conciertos por Europa.

El CD 1 titulado "The Volta Tour: Live at Olympic Studios" nos entrega el audio completo de su sesión en los estudios Olympic de Londres, registrada el 25 de Junio del 2007 en una sola toma bajo la inédita mezcla y producción de su propia autora. Esta grabación se realizó justo antes de su fantástica presentación en el Festival de Glastonbury 2007 y allí podremos apreciar a una Björk explotando al máximo las bondades de su magnífico registro vocal, gesto que si bien todos se lo agradecemos, tiempo después terminó pasándole factura a mediados del 2008. Prueba de ello es el DVD "The Volta Tour: Live in Paris", el cual compila en video algunas de las performances más sobresalientes de Björk en la capital francesa. Pese a que la voz de Björk no se encontraba en su mejor condición (viniendo incluso de cancelar algunas presentaciones previas) su concierto de París resulta una envidiable muestra de energía y entrega, regalándonos hermosas versiones en directo de "Hyper-Ballad" y sobre todo "Bachelorette" pese a que era evidente la lucha de la islandesa por no desgarrar sus cuerdas vocales, siendo casi increíble escuchar cómo logró mantener la "afinación" de sus explosivos alaridos en "Declare Independence". Si a ello le adicionamos los experimentos realizados en vivo con los sintetizadores y ese rarísimo reacTable junto a la perfecta base instrumental orquestada por las Wonderbrass (esa compañía de féminas al mando de los poderosos coros y vientos balcánicos) este DVD merece ser una pieza no sólo para completistas. Como complemento se adicionaron algunos cortes interpretados en la iglesia de Langholtskirkja de Reikiavik (capital de su natal Islandia) que datan del 26 de Agosto del 2008, fecha que marcó el punto culminante de la gira del "Volta".

" DECLARE INDEPENDENCE " ( Nonesuch Records, 2009 )

El segundo DVD ("The Volta Videos") consta de los cinco videoclips oficiales de los sencillos del "Volta" ("Earth Intruders", el decepcionante video de "Declare Independence", "Innocence", "Wanderlust" y "The Dull Flame of Desire") más un par de "Making Of..." además de un los diez videos finalistas del concurso para dirigir el clip de "Innocence". Finalmente el segundo disco de audio ("The Volta Mixes") nos entrega doce remezclas producidas por amigos músicos y DJ's que intentan darle un aire renovado a diversas pistas del "Volta". De entre todos, destacan los remixes de Simian Mobile Disco y Ratatat.

Como ven, "Voltaïc" puede ser una excelente alternativa para aquellos que quieren disfrutar y revivir desde la comodidad de sus hogares, lo que significó esa irrepetible y mágica experiencia de ver a Björk en concierto. Esta producción está disponible hasta en cinco diferentes formatos y precios, no hay excusa para dejarlo pasar.

FABRICIO SANTIBÁÑEZ M.

Pacifika :: "Asunción"

2008-12-05T20:21:00.017-05:00

Afincados en Canadá, Pacifika es un trío cuyo respectivo background se intersecta elegantemente para crear en su álbum debut, una senda reivindicación a la fusión musical como estética sonora. Dejando de lado cualquier cliché que la prensa americana y la industria discográfica quisiera acuñar a un disco cuya procedencia combine lo latino con arreglos pluriculturales, Pacifika logra esquivar triunfalmente esas definiciones para ofrecernos una experiencia gratificante.

Para entender su sonido, sería pertinente hablar del origen de sus integrantes. Por una parte, su vocalista y compositora Silvana Kane (peruana criada en Canadá) proviene de las canteras del pop con posteriores incursiones flamenco-electrónicas. El bajista Toby Peter (canadiense criado en Barbados) había experimentado con bandas de jazz y ritmos caribeños, al tiempo que colaboró una temporada con el rapero K-Os. Finalmente el guitarrista Adam Popowitz cuenta con una formación instrumental que se alimenta del jazz, new wave, progresivo y hard rock, llegando incluso a hacerse responsable de la producción de varias bandas de indie rock y hasta una de folk armenio. Bajo este inusitado panorama de amplia diversidad sónica, Pacifika no podía sino conjugar todas estas influencias para emprender una travesía con voz propia.

El resultado se llama "Asunción ", flamante debut que en clave de fusión y eclecticismo conjuga a lo largo de sus once cortes, intrépidos acercamientos latinos cargados de ornamentaciones pop que comparten lugar con ritmos de disímil naturaleza, tales como el flamenco, downtempo, guiños electrónicos, guitarras acústicas y loops de percusiones; las mismas que sirven de soporte ideal para el notable performance vocal de Silvana Kane, quien decidió componer y cantar en su lengua materna para dotar a la producción de una atmósfera más natural y espontánea, reflejando además su admiración por el legado lírico latinoamericano (en algunos medios, Kane hasta se ha referido específicamente a la obra de la inmortal Chabuca Granda).

" ME CAÍ " ( Six Degrees Records, 2008 )

Musicalmente "Asunción" cuenta con grandes puntos fuertes, desde la apertura con "Sol" una iluminada plegaria cuyo optimismo se apoya en delicadas texturas y orquestaciones etéreas contrastando radicalmente con el sensual impulso rítmico de "Me Caí" -primer single del álbum- construida sobre bases acústicas heredadas del flamenco y cuyo coda echa mano a una serie de sampleos que crean una fulminante invitación al baile. Similar circunstancia ocurre con "Paloma" (con todo y sintetizadores emulando a vientos andinos) o la fantástica "Óyeme". Junto a estos tracks, "Estrellas de Miel", "Libertad" (el único corte interpretado netamente en inglés) y la súbita densidad de las guitarras de "Más y Más" demuestran la amplia versatilidad y consistencia de su confección musical.

Para algunos "Asunción" podría aparentar un ensamble aún en desarrollo, sin embargo no podemos perder de vista a una propuesta tan singular. En Norteamérica no saben si definirlos como "world-pop-fusion" o "latin-electrónica", etiquetas aparte podemos concluir diciendo que "Asunción" es simplemente una excelente fusión de ritmos globales arrojados a los brazos de un pop sólido y entrañable.

FABRICIO SANTIBÁÑEZ M.

------------------------------------------------------------------------------
ENLACES :
+ Website: www.pacifikaonline.com
+ MySpace: www.myspace.com/pacifika
+ On The Road With Pacifika: www.youtube.com/pacifika

Lykke Li :: "Youth Novels"

2008-11-01T21:30:00.003-05:00

Dados sus múltiples -y valiosos- antecedentes fonográficos, debería declararse como norma universal, el hecho de que sea la gélida Suecia el único epicentro musical que nos rescate eventualmente de la enfrascada monotonía del pop moderno. Como si no bastase con Sarah Assbring de El Perro del Mar, Anna Ternheim o Robyn, la más reciente de las promesas nórdicas se llama Lykke Li, una encantadora trotamundos de apenas 22 años que merece jactarse de haber facturado, sin pecar de exagerados, uno de los debuts más notables (sino el mejor) del 2008. Y es que “Youth Novels” no sólo la revela como una autora ecléctica e ingeniosa sino que también sirve como carta de presentación a un peculiar microcosmos melódico donde la edificación de sus composiciones abraza bases, ritmos e instrumentaciones ajenas a los convencionalismos del pop contemporáneo, sobre todo del norteamericano, tan enclaustrado últimamente en su esquemática artificialidad y sobreproducción.

Grandes responsables de los logros de este álbum son Björn Yttling, miembro de Peter Bjorn and John, que fungió de productor junto a Lasse Mårtén, ingeniero de sonido que también ha colaborado con una variopinta cantidad de músicos, que van desde sus compatriotas los Shout Out Louds (en cuyo disco "Our Ill Wills" colabora Lykke Li) hasta la american-idol Kelly Clarkson. Más allá de cualquier suspicacia que esto último pueda despertar entre los puristas, lo de la dupla Yttling-Mårtén se consolida a lo largo de los doce cortes del "Youth Novels" como un trabajo notable, dedicado estrictamente a rescatar la esencia más "orgánica" del dance electrónico y sintetizadores con una buena dosis de percusiones distorsionadas e instrumentos acústicos. Todo ello dota a esta producción de una atmósfera lúdica e innovadora, cuyo rango de influencias denota un fuerte apego a disimiles personajes, desde la Madonna más vintage pasando por Prince hasta súbitos guiños a Kate Bush o Psapp. Aquí no hay pista que pierda el potencial de ser un rutilante single. Todas las canciones son sendas reivindicaciones del pop en tiempos modernos y es justo eso lo que le propició el rápido visto bueno y consecuente aclamación de los hipsters de la blogósfera, a quienes de buena manera ha devuelto el agradecimiento con una andanada de singulares performances vía YouTube.

Musicalmente, este es un álbum de sólidos puntos altos, desde la épica introducción de "Melodies and Desires" que vale de sensual invitación -literalmente instructiva- para transportar al oyente en el mismo corazón de su obra (imposible resistirse a sus "Then repeat with me one more time... You'll be the rythm and I'll be the beat") así como la fantástica gracia y natural desenvolvimiento con el que Lykke Li transita de la ingenua calidez sonora de "Dance, Dance, Dance" a la hiper-moderna vena dance de "Little Bit" o "I'm Good, I'm Gone", genialidades que fácilmente podrían matar de envidia a cualquiera de las actuales divas de la FM.

" LITTLE BIT " ( EMI Music, 2008 )

Es por discos como "Youth Novels" por el que siempre guardaremos fe en la renovación de un género, más aún si se trata de uno tan recurrentemente vilipendiado; lo cual nos recalca la urgencia de mirar más allá del norte para empezar a escudriñar entre las innumerables nuevas propuestas que se esconden y crecen en medio de los países nórdicos.

FELIPE GONZÁLEZ C.

Portishead :: "Third"

2008-10-14T21:24:00.004-05:00

Once años atrás, el Bristol-Sound se veía coronado en cada interpretación que brotaba de la adolorida garganta de Beth Gibbons, poseedora irrefutable de un registro vocal capaz de transportarse hacia el más claustrofóbico paroxismo lírico en complicidad de aquellas espectrales instrumentaciones, creadas por sus eternos secuaces Geoff Barrow y Adrian Utley. Tomando como base una rarísima mezcla entre el acid jazz, el hip hop y las bandas sonoras del film noir, hablar de ése Portishead representaría avocarse a uno de los momentos más deslumbrantes de la vanguardia musical inglesa de finales del siglo XX.

Y es que para nadie es un secreto que su estética sonora terminó redefiniendo el uso de samplers, tornamesas y teclados Rhodes en plena eclosión del post-grunge y el mal llamado “rock alternativo”. Sin embargo, más sorprendente que su existencia, fue su súbita desaparición.

Hoy, en pleno 2008 el contexto musical que los rodea definitivamente no es el mismo, por lo que presenciar su renacimiento en una era donde las normas de la música contemporánea están dictadas por la constante terquedad del ciberespacio y la agonía de la alta fidelidad, sólo nos llevaba a preguntarnos cuán diferente podrían sonar. Felizmente “Third” más que una simple respuesta, es la prueba irrefutable de que estamos ante una agrupación que obedece estrictamente a sus propios cánones, libre de referentes y alejados de cualquier tendencia generacional. El trip-hop ha muerto y ellos bien demuestran que lo saben, haciendo de ésta su más certera bofetada contra aquellas bandas que se jactan de tener un "sonido propio” y que terminan copiándose innumerablemente a sí mismas.

En “Third” Portishead se rejuvenece a la vez que empieza a expeler aires de clásico contemporáneo, apostando incluso hacia transiciones aún más sombrías y hasta admirablemente caóticas, las cuales lo revelan como su trabajo más innovador y exigente hasta la fecha. De principio a fin, desde la densidad épica de "Silence" hasta el glorioso cierre con "Threads", la inmensa complejidad sonora de "Third" termina convirtiéndose en todo un verdadero placer de descifrar. Olvídense de melodías 100% definidas y de típicas estructuras verso-coro, aquí prima el inconformismo sobre cada pista. Para muestra deténganse en la insuperable "We Carry On", la inquietante melancolía de "Deep Water" (donde estrenan el ukelele), así como la fantástica espiral in crescendo de "The Rip".

" MACHINE GUN " [ BUNKER FOOTAGE ] ( Island Records, 2008 )

Mención aparte para el notable single "Machine Gun", rebosante en inéditos arreglos industriales que se vale tan sólo de un sample de batería Staccato y un sintetizador para plantear una estética minimalista y primal. Sin lugar a dudas, "Third" constituye uno de los mejores lanzamientos del año. Te equivocas si piensas que se trata de un simple comeback, este es el triunfo definitivo de una agrupación avocada a plantear y tomar riesgos a lo largo de toda su obra.
Como bien reza el sample en portugués que abre el disco: "esta es una lección para aprender, sólo ganarás lo que mereces". Portishead volvió, ganó y ahora merece ser tu banda favorita.

FABRICIO SANTIBÁÑEZ M.

Blind Melon :: "For My Friends"

2008-10-04T13:59:00.005-05:00

Ante el regreso inminente de aquellas bandas noventeras a la escena del rock recientemente (casos como el de Alice In Chains, Stone Temple Pilots, Smashing Pumpkins, Candlebox, entre otros) el menos inimaginable, a modo personal, era el de Blind Melon.
Momentos previos a escuchar el nuevo disco del renacido grupo tenía sólo una incógnita en mi cabeza ¿Puede alguien atreverse a sustituir al irremplazable Hoon?

"For My Friends" es la nueva placa en estudio de Blind Melon -después de 13 años de ausencia- donde nos presenta al nuevo y osado cantante que toma la posta que dejó Shannon Hoon al morir en 1995; Travis Warren, quien se une a los miembros originales Rogers Stevens, Christopher Thorn, Brad Smith y Glen Graham para otorgarnos una sorpresa más que placentera.
Al empezar con las primeras pistas sentía como que Warren estaba tratando de imitar a Hoon, una tarea que es imposible; sin embargo, después de escuchar el álbum completo es evidente que fue una gran elección para el trabajo. Su tono es lo suficiente similar para mantener la esencia de Blind Melon en cada canción, pero él se las ingenia para lograr impregnar su propia voz en ellas. Lo nuevo de la agrupación se basa en una mezcla de post-grunge con melodías country. Para los fans será una bienvenida a lo que ya nos tenían acostumbrados: ese sonido amistoso, relajado con influencias de las raíces de rock clásico, que lo convierten en una continuación del "Soup" (1995).

" WISHING WELL " ( Adrenaline Records, 2008 )

Aquí encontramos canciones optimistas como el primer single "Wishing Well" ("It's time to help you, get you back on your feet and on your way" / "Es hora de ayudarte, ponerte en pie y en tu camino") mientras que otras, abordan la melancolía con letras interesantes. Cabe destacar que a lo largo del "For My Friends" encontraremos composiciones realmente buenas como lo son "With the Right Set of Eyes", "Sometimes" y "So High".
En resumen, Travis Warren no desentona con Blind Melon, hay una buena armonía en conjunto pero vocalmente sigo siendo fanática de Hoon. Creo que nada puede alcanzar la originalidad de lo que hicieron en los noventas pero este disco se acerca mucho. A pesar de eso, definitivamente vale la pena tenerlo ya que esta es una banda a la que hay que seguirle el paso. No se decepcionarán.

JALI ESPINOZA Y.

El Madmo :: "El Madmo"

2008-10-01T21:52:00.004-05:00

Norah Jones is a punk rocker? No... pero en El Madmo se nutre de aquellos clichés que circunscriben al género en sí para -ironías aparte- rendirle un singular tributo que usa la austeridad en su pulcritud sonora y la poca solemnidad lírica como principales cartas de presentación. Escudándose bajo una rubia cabellera, minifalda reveladora y el alias de "Maddie", aquí Jones se da la licencia para increpar como adolescente histérica (en Vampire Guy y Sweet Adrenaline), adorar “al tipo que fuma buena hierba” (Carlo) y hasta presumir sus dotes como bad-ass americana (GGW); elementos que en conjunto la apartan de aquellos hábitos de cantautora pop y demás regodeos sonoros que enmarañan el AOR para convertirla en un personaje inestable e inmaduro, que pese a lo irregular de su resultado, logra embelecer lo irracional de sus historias. En esta curiosa aventura la acompañan dos miembros de su inseparable Handsome Band, la bajista Daru "El" Oda y el batero Andrew "Mo" Borger. No apto para fanáticos que sólo adoran el “Come Away With Me”.

FELIPE GONZÁLEZ C.

El Guincho :: "Alegranza!"

2008-09-15T18:07:00.007-05:00

Escuchar cada uno de los nueve surcos que conforman "Alegranza!" no sólo ratifica que lo elaborado por El Guincho (seudónimo del también militante y percusionista de las bandas Coconot y Albaialeix, Pablo Díaz-Reixa) rebasa con creces aquel inesperado hype mediático provocado en las entrañas del ciberespacio; sino que al mismo tiempo, recorrer los senderos aquí propuestos equivale a estar en frente de una de las producciones más vitales y sorprendentes que se haya parido bajo el manto de la inclasificable vanguardia española del nuevo milenio. Combinando en poco más de 50 minutos una ráfaga indiscriminada de poderosos beats que remiten a la urgencia y añoranza de ritmos tan disimiles como el rocksteady, calypso, psicodelia, afrobeat, tropicalismo y diversos guiños folclóricos recubiertos de frenéticos compases festivos y una serie de fantasmales líricas que rozan lo ininteligible, "Alegranza!" logra condensar en las antípodas de su sonido, una experiencia ciertamente irrepetible.
Como si se tratase de un lenguaje musical inventado, todas las piezas de este enorme rompecabezas logran cobrar sentido pese a la aparente ilógica de su ensamble, el cual descubre a Díaz-Reixa como un melómano de enigmáticas exigencias y un autor de irreverente estilo. Para muestra ahí están imponentes cortes como Buenos Matrimonios Ahí Fuera (su saludo a los maestros Hermeto Pascoal y Tom Zé), la fantástica Palmitos Park (un encuentro de armonías doo-wop de los 50's con arreglos orquestales de los cubanos Los Zafiros) o Fata Morgana donde se entremezcla el ambient-house de The Orb con más de una veintena de samplers y cuatro patrones repitiéndose simultáneamente.

" PALMITOS PARK " / Dirección: Gerson Aguerri

Dejando de lado aquellas -cuadriculadas- comparaciones con el sonido de Panda Bear o The Avalanches, "Alegranza!" representa en conjunto, toda una oda triunfal al collage libre como estética sonora donde el pop y la manifestación de la alegría como motor temático, nos invitan a adentrarnos en territorios sonoros realmente inexplorados. He aquí una nueva travesía.

FABRICIO SANTIBÁÑEZ M.

La Ira de Dios :: "Archaeopterix"

2007-04-01T22:49:00.015-05:00

Así como el archaeopterix se convirtió en el mítico eslabón prehistórico cuya existencia transitaba entre ser reptil y ave, el de La Ira de Dios se encarga de concadenar aquellas atmósferas explosivas de su increíble “Hacia el Sol Rojo” (2006) con una impresionante madurez sonora plasmada en larguísimos devaneos que asimilan mucho de los jam session como fuente creativa, hecho que los conduce a oscilar entre claroscuros musicales densos y frenéticos sin que esto signifique cambiar de rumbo y perderse en el camino. Tanto el espíritu férvido de las composiciones como sus estructuras instrumentales épico-cósmicas siguen ardiendo en cada distorsión y disparo de aquellos osciladores paranoides, cortesía de Miguel Ángel Burga (voz, guitarra) y Christian Abugattas (efectos) respectivamente. Sorprende eso sí, la presencia de construcciones minimalistas y etéreas que terminan alimentando la solidez de su propuesta. Musicalmente, la perspicacia y técnica del cuarteto ebulle en cada paraje, conectando a lo largo de sus cinco tracks episodios que amalgaman psicodelia ácida, stoner rock y mixturas progresivas experimentales.

" ARCHAEOPTERIX " (Ogro Records, 2007)
Grabado en su totalidad en formato analógico en los ya míticos estudios IEMPSA, el resultado demuestra con creces por qué la crudeza de su sonido los ha llevado de gira por el Viejo Continente y a firmar contrato con el prestigioso sello alemán Nasoni Records, el mismo que reeditó sus trabajos en vinilo. En definitiva, el “Archaeopterix” de La Ira de Dios alza vuelo de comienzo a fin, todo un lujo que nuestros oídos no deben de perderse.

FABRICIO SANTIBÁÑEZ M.

Bob Dylan :: "Modern Times"

2006-12-01T16:35:00.007-05:00

Si tuviéramos que definir este álbum en pocas palabras diríamos que se trata de un puñado de canciones que apreciadas en conjunto componen una obra aparentemente tranquila, relajada, equilibrada, sin dejar por ello de ser irónica, críptica, punzante, sensible, urgente. “Modern Times” es emocionante, sorpresiva, hecha con el corazón, acudiendo siempre a la referencia musical o literaria y, cuándo no, planeando sobre aquellos predios tan caros a Dylan: el amor, la muerte, el apocalipsis, la carretera, el paisaje americano. A veces con alusiones directas, en otras apelando a la expresión ambigua o a la construcción hermética. En medio de su agotador “Never Ending Tour”, el disco es un alto en el camino. Una parada necesaria para tomar respiro y, sobre todo, descargar las ideas, sentimientos y pasiones acumuladas a lo largo de los años y tras los cientos de millas recorridas en ese cuasi eterno deambular del viejo trovador por los pueblos, villas, ciudades del viejo y nuevo mundo. Pero los años no pasan en vano. Las heridas han cicatrizado y el dolor se ha convertido en recuerdo, la ira ha devenido en serenidad, la capacidad de indignación en potencial creativo. Como en toda obra clásica, tras la tempestad, la calma; tras la conmoción, la reflexión; tras la tristeza, la ironía o el humor. La pasión irreductible de la creación. La necesidad imbatible de la confesión. Así se anuncia desde ese gran estruendo inicial de guitarras, teclados y batería. Thunder on the Mountain es un comienzo grandioso, efusivo, que contrasta enormemente con ese otro austero y gris, proveniente de una guitarra que desgrana unas notas de manera pausada, casi tímida.

" THUNDER ON THE MOUNTAIN " (Sony BMG Music Entertainment, 2006)
En Spirit on the Water su autor alude al paisaje y al amor imposible de olvidar, pero se trata de un recuerdo cuyo dolor ha sido calmado por el paso del tiempo y la madurez. Así nos lo hace saber la hermosa melodía, de leves acentos jazzísticos, de este blues intenso, emotivo, de final algo esperanzador. Y luego, un nuevo contraste: una guitarra chirriante que decanta inmediatamente en un rock and roll de los cincuenta -Rollin' and Tumblin'- y su homenaje a Muddy Waters. Dos de los puntos elevadísimos son la tierna y apacible When the Deal Goes Down y la soberbia Ain't Talkin' que le da punto final al disco, un blues de desolación, venganza y desilusión. Desde el “Love And Theft” (2001), Dylan no había vuelto a los estudios. A diferencia de sus trabajos anteriores, acudió a la sala de grabaciones con su banda de carretera, aquella que lo acompaña en estos últimos tiempos y con quien ha logrado un ensamble perfecto, para entregarnos, bajo el ropaje de viejas formas musicales, sus ideas de lo que para él son estos tiempos modernos: un motivo para la nostalgia, una advertencia del futuro catastrófico, el anhelo ideal de una vuelta al jardín edénico, aún cuando el jardinero pareciera ya no estar más allí. Visionario camuflado el viejo Bob, su vigencia es indiscutible. Y su voz, cual trueno en la montaña en estos tiempos de caos, resulta imprescindible.

ROGELIO LLANOS Q.

Callahan :: "Postales"

2006-10-01T15:29:00.005-05:00

Tomando como principal escudo y bandera al minimalismo instrumental rebozante de armoniosas melodías pop, Callahan presenta “Postales” un sorprendente y conciso EP que destila a lo largo de sus casi seis minutos de duración, un constante diálogo de inteligente construcción entre sus teclados Casio, una diversidad de amistosas bases de percusión y minúsculas guitarras trepidantes.

♪♫ Callahan :: Souvenir
(Independiente, 2006)

Cual loa a la brevedad, las cuatro canciones que conforman este EP (Conversazione, Postales, Souvenir y Boarding Pass) funcionan como perfectos e inusitados artefactos que registran triunfalmente la esencia misma de pulcros instantes sonoros, cual polaroids que evocan a límpidos estados anímicos.
Fluyendo briosamente sin tornarse redundante, “Postales” es otro notable avance para la banda de Iván Esquivel. A prestarle mucha atención.

FABRICIO SANTIBÁÑEZ M.

Mad Season :: "Live at the Moore"

2005-11-01T15:30:00.012-05:00

El Recuerdo de una Loca Temporada
Una noche que demostró que el sonido de Seattle iba más allá del grunge.

Era un tranquilo domingo de octubre de 1994, una nueva banda -o por lo menos así parecía- tomaba el escenario del Crocodile Cafe de Seattle. La audiencia lucía absolutamente expectante y curiosa acerca del tipo de música que tocarían estos recién llegados, tan nuevos que carecían de un nombre; pero una mirada más profunda revelaba que estos muchachos no tenían ni un pelo de novatos. La banda estaba compuesta por miembros de los más destacados grupos de rock de aquellos años (Pearl Jam, Alice in Chains y Screaming Trees), sin embargo estos tipos tenían una identidad clara y un distintivo musical que se había formado tanto en las raíces del rock como en la trastienda del blues.
Es así como nació Mad Season conformado por Layne Staley (vocalista de Alice in Chains), Mike McCready (guitarrista de Pearl Jam), Barrett Martin (baterista de los Screaming Trees) y John Baker Saunders un bajista de Minneapolis que había tocado con talentos del blues como Little Pat Rushing, Hubert Sumlin, Sammy Fender y Lamont Cranston. Este sorprendente híbrido musical nos dejó dos excelentes trabajos antes de desvanecerse para siempre. En el recuerdo queda el mítico álbum “Above” (1995) y el video, editado hasta la fecha oficialmente sólo en formato VHS, titulado “Live at the Moore” (1995) que captura 55 minutos de pura “loca temporada” en vivo, el cual desde el primer momento nos invita a recorrer los inusitados caminos de la depresión, la euforía y la tranquilidad, empezando con la ácida Lifeless Dead donde se combinan los agudos solos de un inspiradísimo McCready -tan agudos como las agujas que usaba Layne- y la batería de Martin que suena tan poderosa aquí como en I Don´t Know Anything, donde Staley proclama con guitarra en mano “I don´t know anything, I don´t know who I am... I don´t know anything, I don´t know who to be” (“yo no sé nada, no sé quién soy… yo no sé nada, no sé quién ser”). Entre ambas melodías se encuentra uno de los mejores temas de la banda River of Deceit que con sus suaves sonidos depresivos, cargados de una emotividad cruda y deslumbrante, arroja una de las composiciones más hermosas concebidas en el rock de Seattle de los 90's.
Cuando mister Mark Lanegan (vocalista de los Screaming Trees) y el extremadamente talentoso Nälgäs Sin Cärne (saxofonista y percusionista de los Critters Buggin') -así figura su “nombre” en los créditos - hacen su aparición para interpretar Long Gone Day nadie puede presagiar que verá el pico más alto de esta presentación, una impecable performance que lleva un tema genialmente concebido a escalas impensadas, lo que permite apreciar el lucimiento de Baker en el contrabajo y a Staley compartiendo melancólicas vocales con Lanegan (“isn't it so strange how far away we all are now, am I the only one who remembers that summer?” / “no es algo extraño ver cuan lejos estamos ahora, ¿seré el único que recuerde aquel verano?”); toda una demostración de talento y creatividad imposible de ser etiquetada dentro de algún género musical existente.

" LONG GONE DAY " [Live at the Moore]
Y si eso no convence, pues aún falta escuchar los primeros toques de batería que Barret ejecuta -sin baqueta alguna- junto a su perfecto aliado, el señor Nälgäs en la percusión, trasladándonos dentro de un remolino auditivo alucinante que recibe apoyo en las imágenes psicodélicas que acompañan la puesta en escena de X-Ray Mind.
Finalmente, tal vez sólo un fanático de Alice in Chains pueda entender lo que Layne intenta expresar en All Alone, canción minimalista que expresa toda aquella soledad que implica estar inmerso en el lúgubre mundo de las drogas y cual pieza de rompecabezas encaja a la perfección con November Hotel, el desfogue del concierto que sirve para descargar las energías restantes, en una versión que parece interminable, y nos muestra a un McCready poseído que golpea el amplificador con su guitarra, mientras Nälgäs Sin Cärne hace lo que puede para colaborar en la destrucción con su saxo.
Como bonus podemos encontrar una versión de Lifeless Dead tomado de su participación en el Self Pollution Radio Special del mismo año, más el videoclip oficial de su single promocional River of Deceit.
“Live at the Moore” sirve entonces para apreciar a una banda que supo crear un sonido propio, innovador y arriesgado pese a los orígenes de sus miembros. Si quieren comprobar que Seattle fue más que grunge en los 90's, con esto basta y sobra.

DEIVIS LEYVA B.

Franz Ferdinand :: "You Could Have It So Much Better..."

2005-11-01T13:21:00.004-05:00

Luego de pasarse más de un año acaparando portadas de revistas y recogiendo réditos de su excelente álbum debut (“Franz Ferdinand”, 2004) la banda liderada por Alex Kapranos vuelve a la carga con esta placa cargada de algunas nuevas intenciones y conocidas viejas fórmulas que no dejan de lado la pregunta que todos se deben estar haciendo: ¿habrán logrado editar un mejor trabajo?. Pues bueno, “You Could Have It So Much Better” es una producción interesante que si bien mantiene la energía compulsiva y aparatosa de su predecesor, sigue con la tradición de muchas bandas atormentadas con la “maldición del exitoso primer LP” y eso los deja varados entre la disyuntiva de no tratar de romper los esquemas musicales establecidos con la placa anterior y a la vez intentar demostrar cierta actitud temeraria al adentrarse en nuevos territorios sonoros poco explorados. Bajo esta perspectiva, el disco comienza trayéndonos de vuelta ese híbrido de post punk, rock y new wave que tanto los ha hecho conocidos. En los primeros tres tracks (Fallen, Do You Want To y This Boy) Kapranos no arriesga absolutamente nada pero sabe que es justamente ese tipo de música lo que mejor sabe hacer, más aún si no se complica mucho usando letras ligeras como “cuando me desperté esta noche me dije, ‘voy a hacer que alguien me ame’ y ahora lo sé, eres tu, eres tan afortunada” que vocifera apenas arranca Do You Want To, una pequeña oda a las parrandas y de paso un saludo a sus “colegas” que dejaron cuando abandonaron sus clases de arte para formar la banda (“I love your friends they're all so arty” / “adoro a tus amigos, ellos son tan arty"). Este primer single del álbum demuestra que la banda aún puede componer canciones redondas sin terminar sonando redundante. Así estos primeros temas constituyen una unidad, Fallen funge de puente entre su álbum epónimo y este trabajo, Do You Want To es la carta de presentación que consolida su propuesta, para que luego This Boy la reclame como propia, siendo ésta última la que inyecta una nueva esencia dinámica a la estructura cotidiana de sus canciones, enfatizando la batería de Paul Thomson por sobre el bajo de Robert Hardy.

" WALK AWAY " / Dirección: Scott Lyon
Pero es con Walk Away donde empiezan a probar suerte con nuevos sonidos. Kapranos desenfunda su guitarra acústica que acompaña a la eléctrica de Nicholas McCarthy para presentarnos su primer tema lento. Hasta aquí nos queda bien en claro que si en el primer álbum querían que “las chicas bailen” -como lo dijo Kapranos en numerosas entrevistas- en esta segunda placa quieren que de vez en cuando derramen unas lágrimas, para lo cual los escoceses han incorporado un par de canciones más donde bajan las revoluciones y adoptan un carácter más emotivo que no les resta brillantez como Eleanor Put Your Boots On -ojo que no es en alusión de Eleanor Rigby de los Beatles, sino a su ex-novia, Eleanor Friedberger de la banda The Fiery Furnaces- y Fade Together, ambas plenamente alimentadas de las baladas psicodélicas de los 60's, desde The Turtles hasta los mismísimos Beatles. Y si habían pensado que los Franz Ferdinand habían dejado de sacarle el jugo a la base rítmica de Trampled Underfoot de Led Zeppelin para Take Me Out, pues en ciertos fragmentos de I'm Your Villian vuelven a sonar los mismos riffs. Pese a que esta canción repite los quiebres rítmicos de sus antecesoras, se extraña el poder de cuando gritaban “Ich heiße superfantastisch”. Well That Was Easy y You Could Have It So Much Better nos devuelven la furia de las seis cuerdas para finalmente retomar el ritmo y ceder el cierre a la cumplidora Outsiders. En sumidas cuentas, este álbum suena genial, la banda está tocando bastante bien y hasta las canciones han sido más trabajadas, sin embargo... sigo pensando que pudo haber sido mucho mejor.

FABRICIO SANTIBÁÑEZ M.

Paul McCartney :: "Chaos and Creation in the Backyard"

2005-11-01T12:33:00.007-05:00

Con más de 40 años de vida artística y con todos los logros y éxitos obtenidos, a estas alturas haga lo que haga Sir Paul McCartney, lo puede hacer sabiendo que no tiene nada que perder ni nada que lisonjear, pero como ya es costumbre en él, siempre se las ingenia para sorprendernos dentro de su convencionalismo y mostrarse vigente con muchas ideas creativas. “Chaos And Creation...” es el primer disco en estudio desde el “Driving Rain” (2001), en el cual toca la mayoría de los instrumentos de cuerda, vientos, teclados y percusión. De los trece temas, cuatro son ejecutados totalmente por él, tan igual como lo hiciera en “McCartney I” (1970) -su debut como solista- y en el “McCartney II” (1980). Además hay un elemento fundamental: la presencia del productor Nigel Godrich -quien ha trabajado con Radiohead, Travis y Beck-, cuyo trabajo no sobrecargado ha logrado sonidos lozanos y agradables sin llegar a ser melifluos. En Fine Line, tanto el piano como la batería crean un ambiente rock-pop festivo para una voz que suena joven a pesar de sus 63 años, de una de las estrofas sale una parte del título del disco (“there is a long way between chaos and creation if you don't say which one of these you're gonna choose” / “hay un largo camino entre el caos y la creación si no dices cuál de éstos vas a escoger”). En How Kind of You, el tópico es la desesperanza total que logra superarse cuando uno encuentra a alguien con quien contar de verdad, unos loops de piano y guitarra completan el ambiente melancólico. La acústica Jenny Wren es considerada la hija de Blackbird con algunas pinceladas de Mother Nature's Son, estás dos últimas del “White Album” (1968) de los Beatles, los acordes son enriquecidos enormemente por el sonido clave de un duduk (una especie de clarinete) que le da un matiz diferente al estilo McCartniano del tema. At The Mercy, Too Much Rain, Follow Me y This Never Happened Before son los surcos más convencionales pero acaudalados, con arreglos de cuerdas que les dan toques novedosos, destacando la última en mención por el sentimiento con que es cantado, el piano preciso y una letra simple pero muy del corazón que hacen de ella una de sus mejores baladas de los últimos 15 años (“I'm very sure, this never happened to me before, I met you and now I'm sure this never happened before. Now I see this is the way it's supposed to be, I met you and now I see this is the way it should be” / “Estoy muy seguro, esto nunca me pasó antes, te encontré y ahora estoy seguro que nunca sudeció antes. Ahora veo que ésta es la forma como debería de suceder, te encontré y ahora veo que ésta es la manera como debía de ser”).

" FINE LINE " / Dirección: Simon Hilton
Friends To Go fue compuesta según su autor, con una ayudadita de la energía de George Harrison, las principales notas son tocadas con una acústica, pero también se puede apreciar un rasgueo cortado de guitarra eléctrica -que le da más sustaine- y por momentos una segunda voz muy oportuna. Lo más rockero se encuentra en Promise To Your Girl cuyo solo guitarresco reemplaza muy bien al cantante. De esta lírica sale la otra parte del título del disco (“looking through the backyard of my life, time to sweep the fallen leaves away” / “mirando a través del patio trasero de mi vida, tiempo para barrer las hojas caídas”). Pasando a las canciones más destacadas encontramos English Tea cuyo inicio con violín seguido de un séquito de cuerdas con una flauta al medio, acompañan de manera premeditada el homenaje, con tonos sarcásticos, que Macca hace de algunas tradiciones inglesas. A Certain Softness sobresale por sus arreglos, amén de una mezcla de bossanova y bolero. Riding To Vanity Fair trata del fin de una amistad, es el más sombrío con unos sonidos de vasos de cristal que transportan la mente a diversos lugares que se van creando con el ambiente de la canción. En el último track, Anyway, termina hablando de su nuevo concepto del amor (“if our love is strong enough, it may never end” / “si nuestro amor es bastante fuerte, es posible que nunca termine”), para que luego de algunos segundos de silencio asome un hidden track instrumental de tres minutos que muestra su lado menos convencional, con una perfecta suite compuesta de melodías disímiles entre sí empalmadas magistralmente por la dupla McCartney-Godrich . Para los coleccionistas, la edición especial viene con un DVD contiene un documental sobre cómo se hizo el álbum -donde se menciona que Godrich fue recomendado por George Martin y que en ocasiones tuvo que ser el crítico más implacable de Sir Paul, cuando éste último no lograba, por momentos, darle a sus canciones la trascendencia de su figura-, un video de la performance en estudio del single hit Fine Line y unas imágenes con movimiento de cámara que muestran los trazos y dibujos que se han incluido en el pequeño libro del disco. Aquí tenemos un álbum que apuesta a ganador y que sale vencedor, gracias a la simbiosis Macca-Godrich, donde se nota que la mano del joven productor ha revitalizado las canciones, haciéndolas frescas y atractivas, con muestras de mucha juventud amalgamadas con el genio creativo y virtuoso del ex Beatle, quien ha demostrado tener cuerda para rato, aún cuando lo escuchemos cantar When I'm Sixty Four.

HENRY FLORES R.

Beck :: "Guero"

2005-08-01T21:53:00.004-05:00

En la primera mitad de los noventa un joven desaliñado de mente ágil gritaba “soy un perdedor” (Loser), aquella canción se convirtió en un hit de aquella época, pero la frase no encajaría con la realidad actual de su autor Beck Hansen, quien se ha convertido en una de las figuras más creativas con una mente bizarra llena de ideas innovadoras sonoramente deliciosas. En su momento Geffen Records lo fichó con un singular contrato que le permitía seguir grabando trabajos independientes con otras disqueras. Esta acertada decisión le permitiría desarrollar proyectos paralelos menos comerciales. Beck es un artista cuyos oídos y cerebro tienen una extraña habilidad de conjugar, en una amalgama nada amorfa, obras tan interesantes como sorprendentes. Sus discos fascinan tanto al público y a los críticos, por esa capacidad de crear y combinar sonidos de manera única, que se ha convertido en su marca personal. Beck es un cosmopolita de la música, no se le puede clasificar ni aquí ni allá, no pertenece a ningún lado pero encaja en todos. Un día puede transitar por las carreteras afirmadas del folk -como en el “Sea Change” (2002)- con sonidos apacibles y acústicos con carácter introspectivo y personal, para luego sorprendernos -otra vez- con un viaje por terrenos más escabrosos y experimentales matizados con hip hop, electrónica, indie, bossa nova y funk, tal y como sucede en “Guero”, su más reciente álbum.
El chico blanco (”güero” es el término utilizado por los mexicanos para llamar a los rubios) ha regresado con un disco lleno de influencias que vienen de diferentes géneros y que a través de sus trece pistas rescatan el espíritu innovador y alocado de sus anteriores trabajos. En esta oportunidad vuelve a contar con los Dust Brothers en la producción (con quienes hiciera el “Odelay” en 1996) además de las colaboraciones de Jay Z, Pharrell, Jack White, Justin Medal, Joey Warnoker y Walf Mink.

" HELL YES " / Dirección: Garth Jennings
La primera pieza, y single del disco, es E-Pro un tema matizado con un riff de guitarra al estilo hard rock con un pegadizo estribillo (repleto de “na, na, na, na...”) que la convierten en una de las mejores canciones del álbum. El spanglish no podía faltar en Qué Onda Guero donde nos muestra una vez más su simpatía por nuestro idioma, con tintes de hip hop, funk y sampleos decorados con sonidos de conversaciones de barrio latino. En Girl la intro electrónica se encarga de abrir paso a la guitarra acústica para crear una agradable canción pop. El toque latino y sus aires a bossa nova se mantienen con Missing, aquí samplea parte del tema Voce e Eu de Vinicius de Moraes. En Black Tambourine la percusión se encarga de mantener el ritmo hasta que en el momento menos esperado arremete una guitarra sin romper la armonía. El soul, el jazz y el funk se mezclan en Earthquake Weather, pero luego el hip hop se convierte en el protagonista en Hell Yes. Jack White, de los White Stripes, aparece en el bajo de Go It Alone; paradójicamente los Stripes no utilizan bajo. Las guitarras distorsionadas marcan el ritmo -menos digerible- de Rental Car, mientras que el folk y el country marcan la pauta en Emergency Exit.
“Guero” salió al mercado en tres formatos: el CD estándar con 13 temas, en álbum de vinilo y una edición doble que viene con cuatro temas remezclados y con los videos de E-Pro y Black Tambourine en stereo 5.1.
Sin duda, Beck es uno de los músicos más importantes de los últimos tiempos, no importa cuánto sus trabajos estén marcados por un collage de estilos, el resultado es siempre el mismo: original y cautivador.

MARTÍN ALCARRAZ M.

The White Stripes :: "Get Behind Me Satan"

2005-08-01T21:37:00.006-05:00

Luego del éxito del “White Blood Cells” (2001) y de su austero pero efectivo disco anterior, “Elephant” (2003), donde Jack White gritaba desesperadamente que “no sabía que hacer consigo mismo” (en I Just Don't Know What To Do With Myself, un tema original de Burt Bacharach y Hal David), esta frase pareciera ser escogida deliberadamente para plantear una de las tantas interrogantes de cualquier banda: qué rumbo seguir en los próximos años. La respuesta la tenemos en el “Get Behind Me, Satan” (2005).
Esta quinta placa de los “hermanos” White (Jack y Megan), lanzada en Junio pasado, es un ejemplo claro de la evolución no natural, pero si bien calculada, de una banda de rock donde se entrega un poco más de lo mismo, sin sacrificar el “respeto” ganado, pero agregándole nuevos elementos que demuestran un crecimiento en lo creativo. La música se ha vuelto más barroca, manteniendo el equilibrio entre la melodía y la improvisación con la guitarra y batería acostumbradas, destacando además el uso de la marimba y el triángulo.
Jack mantiene la calidad de sus letras, pero esta vez con un toque más satírico. My Doorbell y Passive Manipulation son claras muestras de ello. El primer track, Blue Orchid, single y hit del disco, comienza con un riff simple, repetitivo y pegadizo, acompañado por una base rítmica sin variaciones. Pero este es el negocio de los Stripes, minimalistas ¿no? La canción es fácil de asimilar y efectiva al trasmitir el ritmo. El mensaje dice que algo es mejor que nada, para luego preguntarle a una chica sobre cuan atrevida es y cuantos años tiene. ¿Acaso le esta cantando al demonio disfrazado de mujer? La melodía no sorprende porque sigue el estilo clásico en ellos.
En Nurse, se escucha un elemento nuevo, la marimba, que cada cierto tiempo es interrumpida por un riff corto acompañado de un golpe de bombo y platillo. El estribillo habla sobre la promesa de no defraudar a alguien, luego se agregan unas dulces pinceladas de piano. Pasando al segundo single, My Doorbell, comienza con una percusión acompasada y festiva, que sirve de entrada al piano y a la voz, una melodía atractiva y con una letra divertida que evoca el timbre de una puerta a cada momento.
De nuevo, la marimba entra en acción en Forever For Her (Is Over For Me), pero esta vez para acompañar a una preciosa balada, los timbres alegres de este instrumento hacen un contraste perfecto con la melodía triste y desesperada que retrata la frustración que siente un hombre cada vez que pelea con su pareja. En la acústica Little Ghost, los Stripes demuestran lo bien que han asimilado las influencias del country. Luego, la fuerza del grupo se hace presente con The Denial Twist, excelente canción donde sale a relucir el espíritu “garagero” de la banda, música cruda con sólo piano y batería.

" THE DENIAL TWIST " / Dirección: Michel Gondry
Jack frente al piano puede ser capaz de crear melodías dulces, una clara muestra es White Moon, donde demuestra su admiración a la legendaria y guapísima Rita Hayworth, con una letra tierna y surrealista. Otra de las gratas sorpresas, es Instinct Blues, tema crudo, un blues eléctrico con mayúsculas, lleno de guitarras distorsionadas con variaciones de tiempo, que por ratos se hace lento pero sólo para recobrar fuerza y arremeter de nuevo de forma visceral. La “vedette“ del disco es Passive Manipulation, la única canción que canta Megan (lástima que dure menos de un minuto). En ella se aconseja a las mujeres que no sucumban ante los deseos de los hombres, se escucha de fondo el piano de Jack con una tímida percusión. La letra es tan sarcástica y divertida que a pesar de ser corta consigue llamar la atención. En As Ugly As I Seem resulta difícil evitar acompañar esta canción con las palmas, una demostración de que se han nutrido muy bien del folk, al escucharla uno confirma que los White Stripes tienen un buen y amplio bagaje musical. La crudeza vuelve a aparecer con Red Rain, el inocente inicio con un suave sonido de guitarra slide evita que presagiemos la buena dosis de distorsiones que nos espera, no se extraña para nada ni el bajo ni los teclados. Con sus versos Jack no sólo reclama, sino que exige la atención de las mujeres. ¿Será un mensaje para Meg o Renée Zellweger?.
Por último, I'm Lonely (But I Ain't That Lonely Yet), una hermosa melodía de esas que uno gusta escuchar en invierno, en donde se habla de la soledad física acompañada de buenos recuerdos y sentimientos hacia los seres queridos.
El “Get Behind Me, Satan” es un disco lleno de melodías variadas con una base rítmica efectiva, con poquísimas pero agradables sorpresas, lo que demuestra que en estos tiempos es posible seguir haciendo buena música con elementos simples. No estará a la altura de su predecesor pero le sirve a los White Stripes para mantener el status quo como uno de los abanderados del nuevo rock de “garage” y del rock en general.

HENRY FLORES R.

Café Tacvba :: "MTV Unplugged"

2005-08-01T20:22:00.007-05:00

Tuvieron que pasar diez años para que uno de los mejores conciertos acústicos realizados por el MTV Latino -sino el mejor, a la par con el de Charly García- viera la luz oficialmente. Disponible en formato doble (CD y DVD) y con un sonido tan fresco y vigente como el de aquellos días, el “MTV Unplugged” de Café Tacvba revisa esa memorable noche de 1995 donde la banda liderada por Rubén Albarrán (ex-“Pinche Juan”, “Anónimo”, “Nrü”, y un largo etc.), que para ese entonces usaba el alias de “Cosme”, descarga una serie de emotivas canciones originales y divertidas pertenecientes a sus dos primeros trabajos, su epónimo “Café Tacvba” (1992) y el magistral “Re” (1994) cuya inteligente amalgama musical atravesaba una paleta de sonidos tan disímiles que iban desde el corrillo mexicano hasta la samba y el ska. Fue así como el álbum “Re” terminó consolidándose como una pieza indispensable para entender el rompecabezas del rock latinoamericano de los 90's. El New York Times no dudó en catalogarlo como el “White Album” del rock en español.
“MTV Unplugged” nos remite a un Café Tacvba en su mejor momento musical, justo después del lanzamiento del “Re” y su andanada de hits insólitos para el común estilo de las FM en nuestra lengua. Aquí los Tacvba no arrojaban visto alguno de su venidera -y también fantástica- etapa experimental (desplegada en el regodeo sonoro del “Revés / Yo Soy” de 1999 y el EP “Vale Callampa” del 2002) que derivaría en su genial aproximación al rock con el “Cuatro Caminos” (2003).

" EL BAILE Y EL SALÓN " / Dirección: Joe Perota
Yendo al disco, el tema de apertura lo marca El Aparato, su sarcástica oda -literalmente- marciana, donde fusionan violines, guitarras y percusiones para estampar una atmósfera atípica y envolvente, seguida de su infaltable smash hit La Ingrata que termina sonando mucho más potente que su versión en estudio. Lo mismo sucede con El Metro, donde el piano y el contrabajo acentúan el inconfundible timbre de voz de “Cosme”. Sorprende también lo que sucede con El Ciclón, que a pesar de sus enmarañadas letras (“flecha, agua, sube, nube, llueve, árbol, flecha, oxigeno, flecha, pulmón”) cobra un aliento renovado que demuestra espléndidamente cómo se debe adaptar una canción eléctrica al formato acústico. Sin embargo, el momento más impresionante del concierto lo marca la participación de Gustavo Santaolalla (colaborador, productor y gurú de la banda) en la fantástica Esa Noche, que destina su discurso a la emigración sistemática de los latinoamericanos, reflejada mágicamente en esa frase que cobra tintes de reclamo: “mi soledad siempre ha pertenecido a ti”. Santaolalla también colabora en la hermosa El Baile y El Salón, cuyos cadenciosos ritmos son marcados constantemente por las percusiones y el piano, a excepción de ese desgarrador intermedio de violín.
Otro invitado destacable es Alejandro Flores quien en los últimos versos de Las Flores se manda un mexicanísimo mano a mano con “Cosme” impregnándole al concierto un explícito sabor a folklore azteca dentro de tanta ensalada de géneros musicales.
Los tacvbos desempolvan de su primer disco otros tres temas brillantes: María, que explota al máximo las cualidades vocales de “Cosme”, Bar Tacuba la cual juega con el nombre de origen de la banda y cierran con la siempre divertida La Chica Banda. El álbum incluye también el inédito cover Una Mañana, tema no incluido en la edición televisada del concierto, cuya posterior versión en estudio formaría parte del álbum tributo a su autor original José José.
Luego de escucharlo repetidas veces, comprobamos que el lanzamiento del “MTV Unplugged” no es una mera concesión comercial de la banda, sino que sirve de complemento perfecto al disco en vivo “Un Viaje” (2005), al mismo tiempo que representa un excepcional acto de agradecimiento a la perenne fanaticada que había convertido a éste mítico álbum en una de las obras cumbres de la discografía de la banda.
Café Tacvba ha sabido entregarnos un artefacto que nos recuerda que alguna vez el MTV Latino fue un canal que no necesitaba “estrellitas” latinas, ni mucho menos convertirse en una lobotomizante sucursal del hip-hop, punk y pop gringo para impregnarle personalidad y calidad a su contenido. ¡Qué disco tan chingón!.

FABRICIO SANTIBÁÑEZ M.